Dans l'hybride biographie-mémoire de David Lynch de 2018 "Room to Dream" (co-écrit avec Kristine McKenna), le célèbre auteur explique comment il a ressenti son premier film plutôt que de "le penser". Stacker explore les belles histoires, souvent étranges, qui se cachent derrière certains de vos films préférés de David Lynch.
Les œuvres de Lynch sont notoirement déconcertantes, mais les comprendre n'est pas le but. Le cinéaste offre au public une expérience du cinéma et de ses possibilités qui peuvent s'avérer transcendantes et émotionnelles. Ses films n'offrent pas l'expérience populaire du pop-corn et du cinéma dans laquelle les téléspectateurs s'assoient simplement et regardent l'émission. Au lieu de cela, les films de Lynch vous plongent et ce n'est pas toujours agréable. Pour le public de 1977 qui s'entassait dans les projections de minuit pour voir "Eraserhead", épiquement étrange, regarder ressemblait plus à être pris quelque part entre un rêve sans limites et un cauchemar tranquillisant. Les téléspectateurs ne peuvent s'empêcher de se demander ce que tout cela signifie; mais Lynch veut que ses films soient vécus par les spectateurs, pas compris.
Lynch occupe également une place unique en tant qu'artiste. Ses films sont expérimentaux et d'art et d'essai, mais sont également issus de l'industrie hollywoodienne et des vedettes de cinéma. Alors que son premier film était culte, à petit budget et peu vu, il a tout de même attiré l'attention des producteurs. Son deuxième effort, "The Elephant Man", a suivi un récit traditionnel mais a toujours gardé un point de vue artistique et a valu une nomination à l'Oscar du meilleur film. Son troisième film, "Dune", était une production studio à gros budget dirigée par le gros bonnet hollywoodien Dino De Laurentiis.
Le style profondément original de Lynch est vraiment étrange, mais il est aussi séduisant, regardable et transperçant. Certaines de ses signatures stylistiques incluent des images surréalistes et étranges rendues en noir et blanc à contraste élevé ou dans des palettes de couleurs riches et lumineuses qui saturent l'écran. Les personnages traversent des extrêmes de désespoir et d'extase. Les récits vont vers le choquant et l'explicite. Les détails visuels sont oniriques et hyper-surréalistes, tout en restant liés au grain de la réalité. Ses films sont obsédés par le corps humain, sa biologie, son sang et sa peau, comme en témoignent la bizarrerie de science-fiction des affections cutanées et la boîte à douleur dans "Dune", et dans la poétique ombilicale du "bébé" dans "Eraserhead". ”
Les films de Lynch présentent des thèmes et des obsessions récurrents fréquents qui incluent la relation entre l'image et le son, comme avec le hit de Bobby Vinton dans "Blue Velvet", les chansons d'Elvis dans "Wild at Heart" et les bruits ambiants qui infléchissent les bandes sonores de ses films. Un autre thème crucial concerne la dépravation juste sous la surface de la société. Poursuivez votre lecture pour découvrir les histoires qui se cachent derrière les détails magnifiques, étranges et souvent dérangeants de vos films préférés de David Lynch.
1 / 10 Le premier film de Lynch a été tourné en noir et blanc et de nuit sur une période de cinq ans, avec une petite équipe de production qui travaillait dans des écuries autour d'un manoir sur le campus de l'American Film Institute (où Lynch était étudiant).
Lynch a «réclamé» les écuries, des structures vides qu'il utilisait pour la production et les décors et où il a vécu pendant une grande partie du tournage, après avoir reçu du matériel et un petit budget de l'école de cinéma. "Eraserhead" présente des visuels déroutants qui sont saisissants et grotesques dans ce conte de science-fiction hyper-surréaliste qui dément la narration conventionnelle dans sa présentation d'Henry, dont le partenaire a un bébé - une créature déformée, bizarre et suintante. Dans ses mémoires "Room to Dream", Lynch écrit que son premier plan pour la fin était d'avoir "Henry dévoré par le bébé démoniaque".
Le film culte est réputé pour être déroutant, et Lynch a affirmé que ses interprétations les plus populaires (les peurs autour de la domesticité et de la paternité) ne correspondaient pas à la façon dont il voyait le film. Au lieu de cela, il propose qu'il s'inspire du caractère industriel et de la cheminée de Philadelphie, ou de ce qu'il appelle «les terres périphériques». En même temps, il qualifie l'étrange œuvre, qui met également en scène une créature confus appelée L'homme de la planète qui tire des leviers de loin, de profondément spirituelle.
2 / 10 Le deuxième long métrage de Lynch a obtenu des nominations aux Oscars pour le meilleur film et pour le meilleur acteur. John Hurt a dépeint John Merrick, l'homme de l'époque victorienne avec de graves difformités physiques. Le maquillage a pris sept heures avant chaque jour de tournage. Les producteurs d'"Elephant Man" Jonathan Sanger et Stuart Cornfeld ont été attirés par "l'esprit sauvage" de Lynch. Lynch avait du mal à faire décoller son deuxième projet, "Ronnie Rocket", lorsqu'on lui a proposé de diriger "The Elephant Man". Cette offre est basée sur l'originalité frappante de "Eraserhead" qui a montré un génie clair dans son caractère non conventionnel. Les producteurs ont estimé que le style étrange de Lynch se fondrait bien avec un scénario basé sur une histoire vraie qui suivait un récit traditionnel se déroulant dans une période historique.
"Room to Dream" décrit le travail de Lynch créant le maquillage de Merrick. Il a travaillé dans un atelier de garage pendant 12 semaines comme un "savant fou" pour créer le look du personnage, mais finalement la sculpture en forme de masque qu'il a conçue ne pouvait pas fonctionner. Lynch a failli quitter la production par dévastation.
3 / 10 Le gros budget "Dune" (adapté de la série de romans de Frank Herbert) a été fustigé par la critique. La critique de Roger Ebert l'a qualifiée d'"excursion incompréhensible, laide, non structurée et inutile", bien qu'elle soit magistralement farfelue lorsqu'elle est vue d'un point de vue contemporain.
Le budget de 40 millions de dollars de "Dune" correspondait à l'immensité de la production, qui comprenait 53 parties parlantes, 900 membres d'équipage et 20 000 figurants stupéfiants. Comme détaillé dans "Room to Dream", il y avait 80 sets sur huit scènes sonores, avec des lieux désertiques tournés au Mexique par une chaleur de 120 degrés où une équipe de 300 personnes a balayé le terrain sablonneux en préparation.
Le style d'auteur de Lynch semblait entrer en conflit avec les restrictions d'une épopée hollywoodienne et il sentait qu'il s'était vendu, réduisant finalement une coupe approximative de cinq heures à deux heures et 12 minutes. Les visuels étonnamment originaux du film se heurtent à un jeu d'acteur souvent guindé et à des voix off vagues qui confondent plutôt qu'il n'éclairent le vaste monde multiplanétaire de l'année 10 191.
"Room to Dream" décrit Kyle MacLachlan, qui a été choisi parmi des centaines pour jouer dans "Dune", comme "l'alter ego à l'écran de Lynch". Le film représente le premier film de MacLachlan et le premier rôle de Lynch.
4 / 10 Lynch a écouté le « Non. 15 en la majeur » tout en écrivant « Blue Velvet ». Son troisième film s'ouvre sur des plans de clôtures blanches, de jardins parfaits et d'écoliers rentrant chez eux avant de plonger dans l'obscurité sous la surface apparemment idéale. Ce thème, une signature dans le travail de Lynch, est symbolisé par un premier plan d'une oreille coupée et moisie couverte de fourmis rampantes et cachée dans les hautes herbes qui semble normale jusqu'à ce qu'on y regarde de plus près.
Lynch décrit trois premières inspirations pour le film :la chanson de Bobby Vinton dont le film tire son titre, l'idée de se faufiler dans la chambre d'une fille et l'image d'une oreille coupée dans un champ. Lynch explique que "ce doit être une oreille", qui devient "un ticket pour que le héros aille dans un autre monde". Un tel voyage est toujours une descente pour les personnages de Lynch. Ils s'aventurent dans l'inconscient, mais aussi dans les dessous sombres qui se cachent juste sous des apparences réconfortantes.
5 / 10 Dans "Room to Dream", Lynch décrit comment voir "Le magicien d'Oz" comme un enfant est resté avec lui. Le classique de 1939 est l'un des films les plus référencés de l'histoire, et Lynch en a fait une forte influence dans son cinquième film, un road movie intitulé "Wild at Heart" qui suit le sensuel et tapageur amoureux Sailor (Nicolas Cage) et Lula (Laura Dern).
"Wild at Heart" fait des allusions à "Oz" partout, dans les dialogues et les images. La citation la plus forte survient à la fin du film, lorsque Sheryl Lee dans le rôle de Glinda la bonne sorcière descend du ciel dans une bulle rose et donne des conseils à Sailor sur l'amour. La «fin heureuse» inspirée d'Oz a été ajoutée à la demande des producteurs, inquiets du ton sombre et violent du film, et en particulier d'une scène qui avait terriblement joué avec le public test, provoquant le départ de centaines de téléspectateurs. La scène a été coupée dès la sortie en salle, mais son contenu (violence extrême liée à l'extase sexuelle) reste une partie de l'intérêt du film pour l'attrait du dérèglement.
6 / 10 La série télévisée "Twin Peaks" de 1990 a créé un culte et un slogan culturel, "Qui a tué Laura Palmer?" avant qu'il ne soit annulé après deux saisons. Lynch a ensuite écrit un scénario de long métrage pour servir de préquelle à la série mais a eu du mal à faire décoller le projet. La série télévisée avait une bizarrerie étrange, mais le film était complètement sordide. Le public du Festival de Cannes a hué. Le film a été en proie à des problèmes de production, y compris le co-créateur de Lynch sur la série abandonnant tôt et coulant des snafus comme les acteurs de télévision populaires ne voulant pas faire partie du film (notamment Lara Flynn Boyle et Kyle MacLachlan).
Le projet a été annulé sans l'implication de MacLachlan puisque le script se concentrait sur son personnage d'agent du FBI. Lynch a réécrit le scénario avec deux nouveaux personnages d'agents (joués par Chris Isaak et Kiefer Sutherland.) Finalement, MacLachlan a accepté un rôle plus petit, mais le film a été considéré comme un flop.
7 / 10 Depuis qu'il a joué le rôle d'Henry aux cheveux emblématiques dans "Eraserhead", Jack Nance était dans tous les films de Lynch, à l'exception de "The Elephant Man", même si Lynch l'avait voulu pour le rôle principal de ce film. L'acteur est mort alors que "Lost Highway" était en post-production, dévastant Lynch, qui a trouvé en Nance un charisme de star négligé par Hollywood conventionnel. À ce jour, Lynch déplore que son acteur préféré n'ait pas pu voir la version finale. La mort de Nance a été qualifiée d'homicide, bien que Lynch conteste cette version des événements, pensant qu'il s'agissait d'un accident :il y avait eu une altercation et Nance est décédée beaucoup plus tard.
Nance a un petit rôle de mécanicien automobile dans le mystère néo-noir, qui est rempli de signatures de Lynch, à savoir une intrigue alambiquée mélangée à un style visuel saisissant et à une bande-son inhabituelle. Lynch a trouvé que Nance était un acteur singulier qui dégageait un sentiment inégalé qu'il n'a pas retrouvé depuis. Il a également noté que même s'il avait eu des ressources illimitées pour "Eraserhead", il aurait quand même choisi Nance dans le rôle principal.
8 / 10 David Lynch appelle "The Straight Story" - un film des studios Disney classé G sur un homme âgé qui conduit une tondeuse à gazon sur 240 miles pour rendre visite à son frère malade - "son film le plus expérimental". La collaboratrice fréquente de Lynch, Mary Sweeney, a co-écrit le scénario. Alors que Lynch semblait un réalisateur improbable pour un film simple et doux, le film a une terreur tendue en dessous en raison des graves problèmes de santé des deux frères aînés.
La séquence finale de "The Straight Story" fusionne une tristesse intense avec une profonde houle cardiaque. Dans "Room to Dream", Lynch appelle cela sa scène préférée dans le film et remarque le naturel des performances entre Richard Farnsworth (Alvin) et Harry Dean Stanton (Lyle) en tant que frères. Il commente également l'éclairage extérieur naturel. Lynch remarque:«La lumière était tout simplement magnifique et le soleil était juste sur [Alvin] et il appelle Lyle et la seconde après qu'il l'a fait, le soleil passe derrière la montagne. Si nous avions été quelques secondes plus tard, nous aurions complètement raté cela. Nous avons eu tellement de chance de l'obtenir. »
La fin des retrouvailles entre les deux est un vrai larmoyant, mais qui ne se sent pas immérité ou sentimental, mais plutôt naturel et trop éphémère à capturer.
9 / 10 Le style glorieux et technicolor de "Mulholland Drive" imprègne son mystère de nostalgie et de références au cinéma hollywoodien classique. Les belles compositions de plans et les visuels saisissants du film expriment le thème lynchien familier de l'obscurité sous les paillettes de surface.
Le film noir de Billy Wilder de 1950, "Sunset Boulevard", a eu une influence majeure sur l'histoire de Lynch à propos d'une femme amnésique et d'une actrice en herbe prise dans un cauchemar surréaliste et labyrinthique. Le film fait référence à la critique cinglante de "Sunset Boulevard" de l'industrie cinématographique, en particulier à travers l'actrice abandonnée Norma Desmond et des démonstrations de décrépitude sombre comme avec son cadavre d'ouverture dans une piscine et des funérailles de singe. "Mulholland Drive" fait directement référence à un plan des studios Paramount qui figurait dans le film précédent.
Le film fait également référence à Rita Hayworth dans l'affiche du film "Gilda" dans son exploration de "l'identité construite" néfaste des actrices hollywoodiennes. Hayworth était similaire aux deux au centre du mystère complexe et déchirant de "Mulholland Drive".
10 / 10 En plus des longs métrages, Lynch est connu pour ses courts métrages d'art expérimentaux qui utilisent souvent une forme et une structure innovantes. "Inland Empire" met en vedette Laura Dern en tant qu'actrice immergée dans le personnage qu'elle joue dans un film. Lynch a tourné le film surréaliste et hautement expérimental avec un appareil photo numérique portable et sans scénario complet sur une période de trois ans.
Le film se distingue par l'incorporation de la série Web "Rabbits" de Lynch en 2002 dans le cadre du récit. Les personnages regardent le spectacle et interagissent avec le décor, et les séquences «Lapins» sont parmi les plus obsédantes et les plus convaincantes du film plus vaste. Les lapins sont joués par des acteurs (en costumes lourds et masqués) qui étaient également dans "Mulholland Drive", dont Naomi Watts.
"Inland Empire" incorpore la plupart des séquences de la série originale, mais les réorganise en ajoutant des lignes et en modifiant la chronologie. Les lapins existent dans un salon de type sitcom et parlent dans un dialogue crypté et coupé accompagné d'une piste de rire en conserve. Dans "Room to Dream", Watts décrit l'expérience de jouer dans le costume tout en étant chaud et incapable de voir en raison du lourd casque de lapin. Elle dit de Lynch :"Je l'entendais dire :"D'accord, Naomi, finis ton repassage et sors de la pièce." Je commençais à marcher et je me cognais contre un mur et il disait à travers son mégaphone :"Pas par là, Naomi, tourne à droite; va à ta droite, Naomi." J'ai dit :"David, je peux faire cette voix plus tard et tu peux demander à l'un de tes assistants de porter le costume dans la scène", et il a dit :"Non, ça doit être toi. là-dedans.'"
