Les films de Wes Anderson sont connus pour posséder une signature précise et distincte, à la fois fantaisiste et drôle ; technique et ironique.
"The Wes Anderson Collection" du critique de cinéma Matt Zoller Seitz explore la livraison remarquable des films du réalisateur avec une compilation d'essais de Zoller et d'entretiens avec Anderson sur tous ses films jusqu'à "Moonrise Kingdom" en 2012. Dans le livre, Seitz décrit avoir regardé le court "Bottle Rocket" et reconnaissant une voix cinématographique distinctive qu'il a reconnue comme à la fois froide et chaleureuse.
Le style de film d'Anderson se délecte d'une ambiance hipster indéniable. Il y a un sens gêné d'un réalisateur formé au cinéma d'art et aux classiques de la pop américaine. Ses films portent des références à Alfred Hitchcock, Orson Welles, Akira Kurosawa et Satyajit Ray, ainsi qu'à des réalisateurs de la Nouvelle Vague française, comme François Truffaut et Jean-Luc Godard. Son travail montre également l'influence des réalisateurs de la nouvelle vague américaine des années 1970, dont Martin Scorsese, Francis Ford Coppola et Roman Polanski. Le travail d'Anderson plonge les spectateurs dans un style de film qui affiche une vision cultivée à côté d'un ton accessible et presque enfantin dans son sens de l'émerveillement des possibilités cinématographiques.
Ces films ont une mise en scène unique et idiosyncrasique - une conception avec des détails intensifs dans des compositions de plans qui ressemblent à des tableaux ou des illustrations remplis d'accessoires significatifs et de jeux de lumière et de couleurs affectifs. Les films d'Anderson sont remarquables pour leur sens du contrôle et de la franchise, souvent interprétés comme ironiques et pittoresques. Ils sont également célèbres pour donner des rôles d'acteurs avec une intensité chimérique et une bizarrerie impassible. Anderson travaille souvent avec des acteurs récurrents tels que Bill Murray, Owen Wilson, Luke Wilson, Jason Schwartzman, Adrien Brody et Tilda Swinton.
Les films d'Anderson présentent également des thèmes récurrents centrés sur le chagrin et l'anxiété dans l'expérience humaine, tout en trouvant une signification ironique et ambiguë dans la gloire du banal. Ses films présentent souvent des figures paternelles récurrentes telles que Royal Tenenbaum, Steve Zissou et Herman Blume, ainsi que de jeunes garçons ou fils perdus qui cherchent une place dans un monde étrange, précisément beau et déchirant.
Stacker a organisé une galerie de films d'Anderson dans l'ordre chronologique et leurs partitions d'accompagnement de Metacritic, IMDb et Rotten Tomatoes. Ces films sont emblématiques pour leurs détails originaux et leur fantaisie ironique. Voici les histoires derrière chacun d'eux, de "Bottle Rocket" à "Isle of Dogs".
1 / 9
- Metascore :66
- Évaluation des utilisateurs IMDb :7,0
- Tomates pourries :85
- Durée :91 min
Le premier film de Wes Anderson a commencé comme un court métrage en noir et blanc, tourné en plusieurs fois pour faire décoller le projet. Anderson a travaillé sur le scénario avec Owen Wilson, qui a également joué et co-écrit "Rushmore" et "The Royal Tenenbaums".
L'amitié collaborative entre Anderson et Wilson a commencé dans un cours d'écriture dramatique à l'Université du Texas. Wilson s'est approché d'Anderson et s'est lancé dans une conversation avec une proximité familière, "prenant pour acquis" qu'ils ne se connaissaient pas encore. Cette scène, décrite dans "The Wes Anderson Collection", correspond à la positivité pittoresque des personnages que les deux créeraient. Forts du court métrage, Anderson et Wilson ont obtenu le soutien du studio pour faire de «Bottle Rocket» un long métrage; les deux carrières ont été lancées à partir de là.
2 / 9
- Metascore :86
- Évaluation des utilisateurs IMDb :7,7
- Tomates pourries :89
- Durée :93 min
Anderson voulait Bill Murray pour le rôle d'Herman Blume, un magnat à qui le jeune Max (Jason Schwartzman) demande de financer un aquarium. Herman et Max finissent par avoir le béguin pour la même institutrice (Olivia Williams), qui devient le centre mélancolique et engageant du film. Murray a été attiré par le scénario et a accepté de travailler à grande échelle :seulement 9 000 $ et un pourcentage des bénéfices. Il a également payé une partie du film, offrant à Anderson un chèque de 25 000 $ pour une scène d'hélicoptère qui n'a pas été retenue dans le montage final. Dans "The Wes Anderson Collection", le réalisateur se souvient qu'à un moment donné dans "Rushmore", Max demande 35 000 $ à Herman, mais n'obtient que 2 500 $. Dans la vraie vie, Anderson a reçu un vrai chèque.
3 / 9
- Metascore :76
- Évaluation des utilisateurs IMDb :7,6
- Tomates pourries :80
- Durée :110 min
Anderson a écrit le rôle-titre de Royal Tenenbaum en pensant à Gene Hackman, et l'acteur légendaire n'en serait apparemment pas content. À contrecœur, Hackman a accepté de faire le film, réalisant une performance emblématique qui met en valeur sa qualité de star magistrale. Lorsque le casting a été réuni lors de la projection du 10e anniversaire (Hackman n'était pas présent), des détails ont été révélés sur les conflits entre Anderson et son homme principal. Anderson a toujours fait l'éloge de l'acteur en disant:"C'est une force énorme et j'ai vraiment aimé travailler avec lui. Même s'il était très difficile avec moi, c'était très excitant de le voir se lancer dans ces scènes. "The Royal Tenenbaums" était l'un des derniers films de Hackman avant sa retraite officielle en 2004.
4 / 9
- Metascore :62
- Évaluation des utilisateurs IMDb :7,3
- Tomates pourries :56
- Durée :119 min
Bill Murray joue un biologiste marin et documentariste dans ce film qui présente des thèmes familiers d'Anderson sur le deuil et une figure paternelle héroïque dont l'égocentrisme se transforme à la fin du film. L'histoire a été inspirée par la fascination d'Anderson pour l'océanographe Jacques Cousteau qui a à la fois publié des livres et réalisé une émission télévisée documentaire. Dans "The Wes Anderson Collection", le réalisateur remarque que Cousteau l'a frappé comme une "star", non seulement un "super-héros scientifique", mais une figure multidimensionnelle qui dirigeait l'opération maritime et les déplacements requis avec précision et contrôle. . Anderson a basé Zissou sur cette image de Cousteau. Cousteau est également lié à la célèbre scène du film d'un "bateau coupé en deux", un grand rendu de style maison de poupée d'un navire qui est présenté par Murray comme Zissou disant, "Laissez-moi vous parler de mon bateau."
5 / 9
- Metascore :67
- Évaluation des utilisateurs IMDb :7,2
- Tomates pourries :69
- Durée :91 min
"The Darjeeling Limited" suit trois frères qui voyagent ensemble à travers l'Inde après la mort de leur père. C'est un film de voyage du point de vue d'un étranger dans un pays encore plus étranger qui s'inspire également du travail de "The River" et "Teen Kanya" de l'auteur indien Satyajit Ray, ainsi que des documentaires de Louis Malle sur l'Inde. Dans "The Wes Anderson Collection", Anderson décrit également les journaux détaillés d'un ami voyageur qu'il a nommé "The Musings of a Completely Unfeeling American Abroad". Cette description correspond parfaitement à l'esthétique féerique et ironique d'Anderson, mais le réalisateur cherchait également à explorer des personnages "narcissiques" qui voyagent à l'étranger de manière fermée avant de s'ouvrir à la fin du film, ou du moins "d'essayer", comme il le dit. il.
6 / 9
- Metascore :83
- Évaluation des utilisateurs IMDb :7,8
- Tomates pourries :92
- Durée :87 min
Adapté d'un livre pour enfants de Roald Dahl, "Fantastic Mr. Fox", utilise une animation en stop-motion mais très peu de CGI ou de "trucs de type écran vert", comme l'explique Anderson à Zoller Seitz. Le style de film d'animation d'Anderson a été influencé par des classiques de la télévision en stop-motion comme "Rudolph le renne au nez rouge", dans un look qui résiste activement à la perfection lisse des mondes CGI. Le film a été tourné en « 12 images par seconde, au lieu de 24 images plus fluides », embrassant un mouvement plus saccadé pour les marionnettes. Les figurines de marionnettes, qui étaient au nombre de plus de 500 et fabriquées à plusieurs échelles, ont été créées avec une précision méticuleuse et des détails minutieux comprenant de la vraie fourrure animale et des costumes intensifs. Les animateurs ont travaillé pendant plus de deux ans pour atteindre les "spécifications rigoureuses" d'Anderson. Le film utilise une grande partie de sa cinématographie de signature, y compris des plans de maison de poupée, des panoramiques latéraux et des inclinaisons, bien qu'Anderson explique dans "The Wes Anderson Collection", que les panoramiques n'avaient pas l'air bien avec les décors animés.
7 / 9
- Metascore :84
- Évaluation des utilisateurs IMDb :7,8
- Tomates pourries :93
- Durée :94 min
L'une des nombreuses inspirations thématiques de « Moonrise Kingdom » concerne le voyeurisme :l'acte de regarder. Bien sûr, cette pratique - espionner les personnages, obtenir une vue intime de leur monde privé - est la marque de fabrique de l'expérience cinématographique. Les décors et les accessoires d'Anderson sont remplis de détails précis et intenses qui rendent des objets autrement banals comme des accessoires et des décors grandioses et séduisants. Ce plaisir de regarder est mis en évidence dans les nombreux plans panoramiques à travers les décors ou les plans de la maison de poupée qui ouvrent des espaces clos. Ces détails se retrouvent également dans les gros plans et les inserts. "Moonrise Kingdom" fait directement référence à "Rear Window" d'Alfred Hitchcock, l'une des influences les plus fortes d'Anderson, relayée par Zoller Seitz. Suzy (Kara Hayward) regarde souvent à travers des jumelles, faisant référence à la fois à "Rear Window" et à "Charulata" de Satyajit Ray, deux films dans lesquels les personnages regardent à travers un objectif d'appareil photo ou des jumelles tout en étant encadrés par des fenêtres, mettant l'accent sur l'idée d'espionner et de regarder.
8 / 9
- Metascore :88
- Évaluation des utilisateurs IMDb :8,1
- Tomates pourries :91
- Durée :99 min
Anderson a plaisanté en disant que "The Grand Budapest Hotel" plagie le travail de l'écrivain Stefan Zweig :Le film est un hommage à l'auteur autrefois célèbre. Anderson a découvert l'un des romans de Zweig dans une librairie parisienne et le générique du film nomme les écrits de l'auteur comme source d'inspiration. "The Grand Budapest Hotel" utilise un cadre narratif, "une histoire dans une histoire, l'un des dispositifs préférés de Zweig". Le film se concentre sur des thèmes des écrits et de la vie de Zweig, y compris son habitude de séjourner dans des hôtels de luxe, un cadre qu'il utilise pour plusieurs de ses œuvres (et qu'Anderson a utilisé pour le film). Zweig, un Juif autrichien, est devenu célèbre dans les années 20 et au début des années 30 avant que la montée du Troisième Reich ne le force à quitter sa patrie, à l'exil et à une mort tragique. Le style du film présente la fantaisie caractéristique d'Anderson, mais aussi, comme le dit une critique, "le chagrin et la vision romantique meurtrie du passé".
9 / 9
- Metascore :82
- Évaluation des utilisateurs IMDb :7,9
- Tomates pourries :90
- Durée :101 min
Avant la sortie de "Isle of Dogs", un film d'animation en stop-motion se déroulant au Japon, Anderson a révélé qu'il avait été influencé par le travail de l'auteur Akira Kurosawa. Le critique Charles Bramesco a parcouru cinq des chefs-d'œuvre du réalisateur japonais pour expliquer comment ils sont référencés dans "Isle of Dogs". Le film présente une référence plan par plan au film le plus influent de Kurosawa, "Seven Samurai", qui a influencé les westerns spaghetti et d'autres films avec des affrontements célèbres. Dans "Isle of Dogs", un gang canin exilé sur une île délabrée aide un jeune garçon à retrouver son chien perdu. Au début du film, le gang affronte une meute de chiens rivale. Bramesco décrit la scène comme "une alternance rythmique entre des plans larges des combattants rassemblés et des gros plans plus serrés de chacun de leurs visages alors qu'ils se préparent au combat".
