Peu de forces culturelles sont plus puissantes que la musique. Au cours des 50 dernières années, la musique a inspiré les fans et fait des artistes des rock stars. Il a servi de bande originale pour des films et des révolutions culturelles. Il a obligé les masses à danser, beatbox, headbang et mosh. Il a éclairé, enrichi et enragé. La musique a ravi les jeunes, terrifié les parents et déclenché des enquêtes du Congrès. Il a été utilisé comme une force d'unification et il a été utilisé comme une arme pour la justice sociale. La musique a exprimé des frustrations, exprimé des espoirs et des déceptions, et a informé le grand public américain des réalités des communautés et des sous-cultures qu'ils n'auraient peut-être jamais connues autrement.
Stacker a examiné les cinq dernières décennies de musique pour explorer comment elle a évolué, comment une génération a influencé la suivante et ce qui a changé dans les relations entre les fans, les producteurs et les artistes, la musique qu'ils jouent, la façon dont elle est livrée, et comment il est consommé.
Au fil des ans, la musique est devenue beaucoup plus personnelle. Autrefois enchaînés aux choix et aux goûts des DJ radio qu'ils ne rencontreraient jamais, les auditeurs ont désormais un contrôle presque total sur ce qu'ils entendent et quand ils l'entendent. Les nouvelles technologies ont également affecté la façon dont la musique est faite et produite. Autrefois fermement tenus sous l'emprise des maisons de disques qui considéraient les artistes comme des marchandises génératrices de dollars, les musiciens ont aujourd'hui un accès direct aux fans qui s'accrochent à chacun de leurs mots et notes.
La musique sort des juke-box, vibre dans les écouteurs, rugit à travers les murs des haut-parleurs lors des concerts et sort des bars, des restaurants et des clubs, invitant ceux qui se trouvent dans la rue à se joindre à la fête. L'attrait humain indéniable pour la musique ne changera jamais - elle nous a toujours fait danser, rire, pleurer et sourire - mais les sons, les formats, les tendances, les genres, les technologies et les instruments impliqués sont toujours en évolution.
1 / 50 Le festival le plus célèbre de l'histoire de la musique américaine a eu lieu du 15 au 18 août 1969 dans une ferme laitière à Bethel, New York. L'événement, qui a attiré près de 500 000 fêtards, a été l'apogée de l'ère de la contre-culture des années 1960 et le couronnement du mouvement hippie. Les plus grands actes de l'époque ont rendu hommage aux festivaliers trempés de boue et de pot, avec des performances d'artistes tels que Janis Joplin, les Grateful Dead, Santana, The Who, Creedence Clearwater Revival, Jimi Hendrix et Crosby, Stills , Nash &Young.
2 / 50 L'année 1970 était plus que la fin chronologique des années 1960; c'était la fin de l'une des époques les plus marquantes de l'histoire de la musique. Les Beatles se sont séparés en 1970, et d'autres artistes déterminants des années 60 comme les Rolling Stones, Pink Floyd et Led Zeppelin sont devenus moins accessibles, tournant dans des jets et jouant dans des stades et des arènes massifs au lieu de clubs et de théâtres. Les pionniers emblématiques des années 60, Jim Morrison, Janis Joplin et Jimi Hendrix, sont décédés dans les années 70, tous à l'âge de 27 ans, tout comme le premier roi du rock, Elvis Presley, plus tard dans la décennie.
3 / 50 Les années 1970 s'ouvrent avec un nouveau genre appelé glam rock, incarné par David Bowie et défini par des costumes et des apparats scandaleux. Le disco a dominé la seconde moitié de la décennie, la musique d'artistes comme les Bee Gees et Gloria Gaynor devenant des incontournables sur les pistes de danse et les autoradios à travers le pays.
4 / 50 Bob Marley a mis la musique reggae sur la carte dans les années 1970, James Brown a donné naissance au funk, et Stevie Wonder, Isaac Hayes et Al Green ont défini le rhythm and blues, mieux connu sous le nom de R&B. Les Allman Brothers, Lynyrd Skynyrd et le Charlie Daniels Band sont devenus les leaders du rock sudiste.
5 / 50 En 1971, un phénomène culturel est né lorsque l'homme d'affaires japonais Daisuke Inoue a inventé la machine à karaoké, qui se traduit vaguement par "orchestre vide". Bientôt, les bars, les clubs et même les retraites d'affaires ont commencé à offrir une plate-forme à tous les aspirants, prétendants et guerriers du week-end ayant le courage de tester leurs talents de chanteur devant une foule.
6 / 50 Le 11 août 1973, un jeune DJ new-yorkais du nom de Kool Herc a organisé une fête de rentrée au 1520 Sedgwick Ave. dans le Bronx. Au lieu de jouer des chansons dans leur intégralité, il a expérimenté en ne jouant que les pauses instrumentales - la partie de la chanson qui avait tendance à animer la foule - donnant aux fêtards plus de temps pour danser, d'où vient le terme "break dance". Pendant tout ce temps, le partenaire de Herc, Coke La Rock, a utilisé le microphone pour amplifier le public. Ce moment est reconnu comme la naissance du hip-hop, peut-être le genre le plus durable et le plus transformateur de la musique américaine depuis le rock'n'roll.
7 / 50 La fin des années 1970 a vu l'émergence d'un genre sauvage et anarchique qui exsudait la non-conformité et la rébellion en colère. Né à New York mais influencé et adopté par la scène underground britannique, le punk rock a été défini par des groupes comme Patti Smith, les Ramones, les Sex Pistols et The Clash, et plus tard, Black Flag et les Dead Kennedys.
8 / 50 Le symbolisme fasciste a toujours fait partie du style antagoniste du punk rock, et le genre a été façonné par des enfants blancs de la classe ouvrière en colère et désabusés en Grande-Bretagne. Les néonazis et autres racistes existaient en marge du mouvement depuis le début, et les groupes suprématistes blancs ont finalement exploité le pouvoir unificateur de la musique pour attirer et recruter des jeunes désenchantés tout en faisant passer leurs messages. Les groupes skinheads ont commencé à produire des albums et des spectacles, qui faisaient souvent écho aux sons et aux styles du punk rock avec des bottes de combat, des mosh pits et des voix agressives et criardes.
9 / 50 Le premier lecteur de bande 8 pistes a fait ses débuts dans les années 1960, mais la technologie a connu son apogée dans les années 1970. Développées par Learjet, les bandes à 8 pistes utilisaient une boucle continue de bande magnétique pour lire huit pistes musicales. C'était le premier support pratique et répandu pour jouer de la musique préenregistrée et personnalisée dans les voitures sans dépendre d'un DJ radio.
10 / 50 Les disques vinyles existaient depuis des décennies, mais ils n'étaient jamais moins chers et plus facilement accessibles qu'ils ne l'étaient dans les années 1970, lorsque les tourne-disques stéréo de haute qualité sont devenus presque aussi courants que les téléviseurs. Les cassettes étaient disponibles, mais n'étaient pas encore entrées dans le courant dominant, et les 8 pistes étaient principalement réservées aux voitures. C'était l'âge d'or du vinyle, et le magasin de disques du quartier est devenu l'épicentre de la musique, de la culture, de l'art et des idées.
11 / 50 Dans les années 1980, le hip-hop a explosé hors du centre-ville et s'est frayé un chemin dans le courant dominant, alors que des groupes comme Run DMC, les Beastie Boys et Public Enemy ont apporté le son aux masses. Plus tard dans la décennie, ce qui avait commencé comme de la musique de fête allait adopter un tranchant beaucoup plus net alors que le rap devenait synonyme de représentations vulgaires et graphiques du dysfonctionnement urbain. Tout comme le punk rock l'avait fait une décennie auparavant, le gangsta rap, rendu à l'origine célèbre et tristement célèbre par N.W.A., a défié les institutions américaines, enthousiasmé les jeunes et terrifié les forces de l'ordre et les parents ordinaires.
12 / 50 À peu près au moment de la mort d'Elvis Presley à la fin des années 1970, Michael Jackson, le jeune leader des Jackson 5, s'établissait comme un artiste solo commercialisable. L'homme qui serait couronné "King of Pop" a passé les années 1980 à battre des records de vente et à redéfinir à la fois la musique pop et la culture pop avec des danses comme le moonwalk, des vidéos comme "Thriller" et des albums comme "Bad". Au milieu de la décennie, Jackson était sans doute la personne la plus célèbre au monde.
13 / 50 John Lennon a été tué par balle en 1980, marquant la fin d'une ère dans la musique et la culture. Mais une grande partie de la décennie précédente a survécu. Des groupes de glam metal comme Guns N' Roses, Poison et Mötley Crüe, qui portaient des costumes grandioses, se maquillaient et se coiffaient largement du mouvement glam rock de David Bowie, ont rempli les stades de leurs ballades puissantes.
14 / 50 S'appuyant sur ce que des groupes comme Black Sabbath, Alice Cooper, Judas Priest et AC/DC avaient commencé dans les années 1970, le heavy metal a pris son envol dans les années 1980 lorsque des groupes comme Metallica, Twisted Sister, Anthrax et Pantera ont fait découvrir au monde le headbanging et a donné la parole à des enfants de banlieue ennuyés et mécontents. Des vêtements noirs, des riffs lourds de guitare électrique et des paroles moroses ont défini le genre, qui perpétue la longue tradition musicale de secouer l'Amérique centrale et de défier la société dominante.
15 / 50 Alors que des groupes pop comme Debbie Gibson, Bryan Adams, Tiffany, Phil Collins et The Police dominaient la radio, des groupes dits alternatifs comme les Red Hot Chili Peppers et R.E.M. se sont imposés comme des héros anti-pop qui feraient preuve d'une endurance remarquable. Des groupes anti-genre comme U2 ont créé de nouveaux bars, et des talents de la nouvelle vague comme Duran Duran, Depeche Mode et les Eurythmics ont fait leur part pour réinventer le glamour des années 1970.
16 / 50 Lorsque Morrissey et Johnny Marr ont formé The Smiths en 1982, ils ont décidé que leur groupe signerait avec un label indépendant, ou indépendant, plutôt qu'avec une grande maison de disques, qui régnait sur l'industrie de la musique depuis des générations. Après avoir pris de l'importance dans les années 1970 après des décennies d'expérimentation, des labels indépendants comme Factory, Mute et Rough Trade - ce dernier ayant finalement signé The Smiths - étaient de petites entreprises qui n'avaient ni le financement ni le soutien des majors. Ils ont donné aux artistes émergents une plate-forme pour lancer leur carrière et ont axé leurs modèles commerciaux sur la liberté artistique et les relations mutuellement bénéfiques entre les artistes et les maisons de disques.
17 / 50 Sorti pour la première fois en 1979, le Walkman de Sony a changé nos habitudes d'écoute peut-être plus que toute autre technologie au cours des 40 dernières années. Aussi portable qu'une radio à transistor mais offrant l'intimité d'un casque, le Walkman a inauguré l'ère de la musique personnelle et mobile. Au moment où la gamme Walkman a été abandonnée en 2010, Sony avait vendu 400 millions d'unités.
18 / 50 Bien que la technologie ait été développée pour la première fois au milieu des années 1960, les cassettes ont pris de l'importance dans les années 1980 et ont ensuite défini la musique de la décennie. Des cassettes ont été insérées dans des baladeurs, des autoradios et des boombox, utilisées pour enregistrer des chansons de la radio et même pour copier des cassettes à partir de disques vinyles. La vénérable mix tape qui est devenue la marque de fabrique de la musique portable de l'époque rendait les longs trajets en voiture plus tolérables.
19 / 50 Le 1er août 1981, "Video Killed the Radio Star" des Buggles est devenu à juste titre le premier clip vidéo jamais diffusé sur un nouveau réseau appelé MTV. Le réseau a changé la façon dont la musique était consommée et est devenu la voix d'une génération. MTV a lancé des artistes comme Michael Jackson, Madonna et Guns N' Roses dans la célébrité mondiale avant de s'éloigner des vidéoclips dans les années 1990. Les vidéo-jockeys, ou VJ, sont devenus des noms familiers.
20 / 50 Lorsque Columbia House a déposé son bilan en 2015, The Verge a qualifié le service d'abonnement par correspondance de "Spotify des années 80". Columbia House était célèbre pour ses "offres incroyables" difficiles à résister, qui offraient une grande sélection d'albums, choisis par l'abonné, pour un sou ou d'autres frais nominaux. En échange, l'abonné acceptait d'acheter un nombre prédéterminé d'albums au prix fort au cours d'une année. De nombreuses collections de musique ont été constituées de cette façon, et Columbia House a culminé à 1,4 milliard de dollars de revenus en 1996.
21 / 50 Dans les annales des festivals de musique, il y a Woodstock et il y a tout le reste. Le concept du festival live est né dans le nord de l'État de New York en 1969, mais il perdurera au fil des décennies. Le festival South by Southwest (SXSW) à Austin a débuté en 1987, le festival itinérant Lollapalooza a été planifié pour la première fois en 1991 et Coachella a vu le jour en 1999.
22 / 50 Le premier disque compact est sorti en 1982, et au cours des 20 années suivantes, 200 milliards de CD ont été vendus dans le monde. La technologie n'utilisait pas de bande magnétique, mais un enregistrement optique numérique pour intégrer des pistes lisibles sur des disques en plastique polycarbonate. Le résultat était un son stéréo supérieur sur un support léger, fin et durable qui sonnerait le glas des cassettes. Dans les années 1990, la collection de CD a largement remplacé la collection de bandes.
23 / 50 Avant la chute du mur de Berlin en 1989, une nouvelle musique de danse industrielle, électronique et futuriste appelée techno avait pris de l'importance en Europe et en Allemagne de l'Est et de l'Ouest. Dans les années 1990, le mouvement avait atteint les États-Unis, où les raves - des soirées dansantes impromptues souvent organisées dans des entrepôts vides ou des bâtiments industriels - ont commencé à attirer des légions de jeunes fascinés par les rythmes de la techno. Rappelant les discothèques de la génération précédente, ces soirées dansantes urbaines se déroulaient toute la nuit inondées de substances psychotropes, notamment l'ecstasy et d'autres drogues dites de synthèse.
24 / 50 Dans les années 1990, la frontière entre la réalité et la performance dans le monde du gangsta rap s'était désespérément estompée, les membres de gangs au passé criminel devenant l'un des plus grands acteurs du rap. Les criminels avec de longues feuilles de rap, notamment Marion "Suge" Knight, avaient atteint le niveau exécutif de l'industrie du disque, souvent par l'extorsion, l'intimidation et la force brute. Une rivalité de longue date entre les centres hip-hop de New York et du sud de la Californie a culminé avec les meurtres toujours non résolus de Tupac Shakur et Christopher "Biggie Smalls" Wallace.
25 / 50 La musique country a donné naissance à certains des plus grands groupes de l'histoire de la musique, notamment Dolly Parton, Kenny Rogers et Johnny Cash, dont l'influence et les ventes pourraient rivaliser avec la plupart des artistes jamais montés sur scène. Les artistes et les fans du genre, cependant, étaient traditionnellement régionaux, ruraux et blancs. Tout a changé dans les années 1990 lorsque des artistes croisés tels que Garth Brooks, Billy Ray Cyrus, Faith Hill et Shania Twain ont introduit le twang country dans les stations de radio grand public et dans les foyers à travers l'Amérique.
26 / 50 Le rock des années 1990 était défini par les cheveux hirsutes et les chemises en flanelle qui étaient l'uniforme standard du mouvement grunge, qui a évolué à Seattle et en est ressorti. Soundgarden, Pearl Jam et Nirvana étaient les porte-drapeaux du mouvement. Dans le même temps, des groupes de jam comme Blues Traveler, Phish et le Dave Matthews Band ont développé des styles qui rendaient hommage aux Grateful Dead, un groupe psychédélique pionnier des années 1960 dont le long et étrange voyage s'est terminé avec la mort de Jerry Garcia en 1995. continuer à tourner sous d'autres noms à ce jour.
27 / 50 Les chanteuses superstar mondiales avec des voix en plein essor comme Mariah Carey et Whitney Houston ont connu un énorme succès dans les années 1990, mais la décennie a également vu l'émergence d'une nouvelle génération de femmes extrêmement talentueuses, indépendantes et souvent controversées. Les années 1990 ont donné au monde Liz Phair, Norah Jones, Aaliyah, Sarah McLachlan, Sheryl Crow, Tori Amos, Jewel, Natalie Merchant et Alanis Morissette. Des artistes comme Avril Lavigne et Alicia Keys poursuivraient la tradition au début des années 2000.
28 / 50 Sorti en 1998, "Believe" de Cher a dominé les charts dans 23 pays. Exactement 36 secondes après le début du single à succès, le monde a entendu pour la première fois ce qui allait devenir l'une des innovations clés des 20 dernières années :une nouvelle technologie de correction de hauteur appelée Auto-Tune. Bien qu'il ait existé pendant environ un an avant la sortie de "Believe", Cher a lancé l'amplificateur de voix à consonance robotique dans la conscience publique.
29 / 50 À la fin des années 1990, le marché de la pop était accaparé par des artistes comme Britney Spears, Christina Aguilera, NSYNC, les Backstreet Boys, 98 Degrees, Ricky Martin et les Spice Girls dominant le cadran FM. En réponse, un sentiment anti-pop a émergé avec des artistes comme Eminem, qui a utilisé sa propre musique pour se moquer et attaquer sans relâche tous les artistes qu'il jugeait fabriqués ou inventés.
30 / 50 Un nouveau son est apparu dans les années 1990 lorsque certains des artistes les plus talentueux du monde ont développé un mélange de hip-hop et de R&B. Les Fugees, dont les membres Lauryn Hill et Wyclef Jean sont ensuite devenus des artistes solo, ainsi que Destiny's Child, TLC et Toni Braxton sont devenus les leaders du sous-genre.
31 / 50 En 1999, la révolution du partage de fichiers peer-to-peer (p2p) a véritablement commencé avec l'arrivée de Napster. Le service controversé permet aux internautes de télécharger, télécharger et partager de la musique sans l'acheter. Bien qu'il ait été fermé un an plus tard en 2000, Napster a semé la panique dans l'industrie du disque et a changé à jamais la façon dont la musique était partagée et diffusée tout en donnant naissance au concept de piratage de musique en ligne.
32 / 50 L'expérimentation de ce qui allait devenir le format audio numérique MP3 a commencé à la fin des années 1980. Ce n'est qu'en 1999, cependant, que la maison de disques Sub Pop a commencé à distribuer de la musique au format MP3, un suivi des formats MPEG qui avaient émergé dans les années 1990. La musique pouvait désormais être distribuée et consommée sans que l'auditeur ne manipule un objet tangible comme une cassette ou un disque compact.
33 / 50 Les années 2000 ont vu les groupes de pop adolescente des années 1990 devenir des acteurs dominants. Justin Timberlake de *NSYNC a lancé une carrière solo impressionnante, tandis que Christina Aguilera a expérimenté de nouveaux genres et sons.
34 / 50 Le Dr Dre était un membre fondateur de N.W.A. dans les années 1980 et l'incarnation humaine du gangsta rap de la côte ouest dans les années 1990. Plus tard dans la décennie, il s'est réinventé comme l'un des producteurs les plus prospères de l'industrie lorsqu'il a donné à Eminem sa grande chance. Eminem était le plus grand nom du rap à la fin des années 90 et au début des années 2000, mais une fois de plus, l'apprenti est devenu le maître. Tout comme le Dr Dre l'avait fait, Eminem a pris le fauteuil du producteur, a formé Shady Records et a signé 50 Cent.
35 / 50 À la fin des années 1990, les mélomanes avaient des bibliothèques contenant des centaines, voire des milliers de pistes MP3, mais ces chansons étaient enchaînées à leurs ordinateurs. Puis, en 1998, Eiger Labs a lancé le premier lecteur MP3 au monde. Le MPMan F10 était un gros boîtier encombrant de type Walkman qui n'offrait que 32 Mo de stockage. Des améliorations ont été apportées avec de nouveaux arrivants de sociétés comme Intel et Iomega, mais la transformation qui a changé la donne a eu lieu en 2001 lorsque Apple a introduit l'iPod. Il allait devenir le gadget audiophile qui a défini la décennie et réaliser des ventes qui ont probablement dépassé les 400 millions d'euros, suffisamment pour rivaliser avec le vénérable Walkman qu'il a rendu obsolète.
36 / 50 En 2001, la même année, Apple a redéfini le matériel musical avec l'introduction de l'iPod de première génération. Elle a également dévoilé le logiciel qui allait devenir la plate-forme musicale la plus importante de l'histoire : iTunes. Les deux technologies se sont combinées pour rendre la technologie branchée - il était difficile de passer une journée sans voir quelqu'un porter les écouteurs blancs de la marque - et redéfinir la façon dont la musique était achetée, vendue et partagée. L'iTunes Store a fait ses débuts en 2003 et a vendu 1 million de chansons au cours de sa première semaine.
37 / 50 En 1992, Sirius et XM, dont les sociétés finiront par fusionner, ont commencé à acquérir des licences de la Federal Communications Commission pour faciliter la mise en orbite de satellites afin de diffuser des signaux radio. Un peu moins d'une décennie plus tard, en 2001, XM est devenue la première entreprise à diffuser une émission nationale de radio par satellite. De la musique était maintenant diffusée dans les maisons, les voitures et les bureaux des gens depuis l'espace.
38 / 50 Pendant des générations, le juke-box était au centre de la fête. Que ce soit dans un bar ou une salle de quilles, un restaurant ou une patinoire, la musique du juke-box remplissait l'air sur une base de paiement à l'acte. Mais les choix des utilisateurs se sont toujours limités aux enregistrements ou autres supports physiquement contenus à l'intérieur de la machine. L'essor des MP3, cependant, a donné aux juke-box des bibliothèques musicales sans fond qui pouvaient jouer pratiquement n'importe quelle chanson que tout le monde voulait entendre.
39 / 50 Les émissions de concours télévisés n'étaient pas nouvelles en 2002, mais cette année-là, "American Idol" a fait ses débuts aux États-Unis et a changé à jamais la nature et l'influence des concours de talents télévisés. L'émission lancerait certains des plus grands groupes des années 2000, notamment Carrie Underwood, Clay Aiken, Jennifer Hudson, Chris Daughtry, Adam Lambert et l'original American Idol, Kelly Clarkson.
40 / 50 La cassette a donné aux masses la possibilité d'enregistrer des collections de musique personnalisées et de les emporter n'importe où. L'arrivée de la musique numérique et des lecteurs MP3, cependant, a permis aux mélomanes de compiler d'énormes bibliothèques musicales et de les trier par genre, saison, son, sentiment, partenaire amoureux ou toute autre catégorie qu'ils aimaient, le tout sans trimballer des briques de plastique, telles que sous forme de cassettes ou de CD. La playlist était née.
41 / 50 Dans le sillage de Napster, les services d'abonnement ont commencé à apparaître comme un pont entre le piratage peer-to-peer et l'achat d'albums à l'ancienne. Pandora a été lancé en 2005 et a été crédité du développement du modèle dit "freemium", qui proposait des stations et des listes de lecture basées sur des algorithmes avec des publicités gratuites ou sans publicité moyennant un prix. SoundCloud a été lancé en 2007 et Spotify a rejoint la fête en 2008.
42 / 50 En 2007, Apple, une fois de plus, a dévoilé une nouvelle technologie étonnante qui allait changer la musique et le monde. L'iPhone était moins un téléphone qu'un ordinateur de poche capable de passer des appels. Bien que les iPod se vendent encore bien dans les années 2010, les smartphones modernes ont unifié les appareils autonomes tels que les appareils photo, les calculatrices et les lecteurs MP3 en une seule super machine de poche.
43 / 50 Les disc-jockeys avaient longtemps tenu le fort dans les stations de radio et les fêtes de quartier, mais le 21e siècle a vu le DJ passer de l'acte de soutien d'arrière-ban - Jazzy Jeff au Fresh Prince, Ali Muhammad à A Tribe Called Quest, et ce quatrième Beastie Boy — à la superstar du centre de la scène. Des artistes comme Deadmau5, Skrillex et le DJ David Guetta ont englouti les Grammys, vendu des salles de concert et empoché des millions, le tout sans l'aide d'un leader.
44 / 50 Des lignes de base bancales, des modèles audio inattendus et souvent discordants et un volume de grincement sont les caractéristiques du dubstep. Nouveau type de musique de danse électronique (EDM) qui a émergé en Grande-Bretagne au début du XXIe siècle, le dubstep était une extension de la techno qui est devenue un pilier des clubs de danse à travers les États-Unis dans les années 2010.
45 / 50 Tout comme les labels indépendants l'ont fait deux générations plus tôt, YouTube a donné aux musiciens en herbe un moyen de contourner les grandes maisons de disques et de conserver un contrôle artistique sur leur travail. Mais cette fois, l'application de partage de vidéos a fourni un canal direct entre l'artiste et le public. Des artistes comme Justin Bieber ont utilisé YouTube pour transformer leurs talents en célébrité mondiale.
46 / 50 Une culture diversifiée de femmes talentueuses et pionnières ont ajouté leurs voix à la musique du 21e siècle. Lady Gaga, Katy Perry, Rihanna, Adele, Miley Cyrus, Meghan Trainor, Cardi B, Nicki Minaj, Kesha et Ariana Grande sont devenues des poids lourds dans les mondes de la pop, du hip-hop et du rock. Taylor Swift, Miranda Lambert, Kacey Musgraves et Carrie Underwood ont fait des déclarations indéniables dans la musique country et crossover.
47 / 50 Pendant des générations, les musiciens avaient agrafé des affiches aux poteaux téléphoniques, distribué des dépliants, vendu des cassettes dans le coffre de leur voiture ou, s'ils en avaient les moyens, engagé des publicistes pour promouvoir leurs marques. Le nouveau millénaire, cependant, a donné aux musiciens un accès instantané à quelque chose dont leurs prédécesseurs ne pouvaient que rêver :des lignes de communication directes avec leur public et leurs fans. Les podcasts, les chaînes YouTube et les réseaux sociaux comme Instagram et Twitter ont remplacé les anciens fan clubs. Les artistes d'aujourd'hui utilisent ces plateformes pour diffuser leurs messages, annoncer des sorties d'albums et des concerts, partager des photos intimes et engager des discussions politiques avec un peu plus qu'un smartphone.
48 / 50 En 2014, la vague de changements s'est manifestée lorsque, pour la première fois, les ventes de musique numérique ont dépassé les ventes de musique physique. Les ventes physiques, qui consistaient principalement en CD à cette époque, sont tombées à 6,82 milliards de dollars, tandis que les ventes numériques, qui comprenaient des services comme Spotify, ont grimpé à 6,85 milliards de dollars.
49 / 50 Les mouvements Time's Up et #MeToo ont déniché un sexisme profondément enraciné et des attitudes désinvoltes envers le harcèlement sexuel et même les agressions dans les industries du cinéma, de l'information, de la télévision, du sport, de la comédie et de nombreuses autres ramifications du divertissement. Aux Grammys 2018, des artistes comme Kesha, Camila Cabello, Cyndi Lauper et Andra Day ont profité de l'occasion pour appeler à un traitement similaire dans l'industrie de la musique.
50 / 50 Dans les années 2010, de nouveaux artistes ont émergé comme ils l'ont toujours fait dans le passé, mais aussi comme toujours, le monde a perdu de nombreux pionniers et innovateurs dont le travail a inspiré et permis leur ascension. Parmi ceux qui sont morts dans la deuxième décennie du 21e siècle figuraient Prince, Lou Reed, David Bowie, Nate Dogg, Teddy Pendergrass, Amy Winehouse, Heavy D, Whitney Houston, Dick Clark, Adam "MCA" Yauch, Joe Cocker, BB King , Chris Cornell, Tom Petty, Fats Domino, XXXTentacion, Aretha Franklin et Mac Miller. Ils sont partis, mais leur héritage musical demeure.
