Historiquement, les albums représentent le summum de la réussite artistique. Tout au long de «l'ère de l'album» du milieu des années 1960 aux années 2000, les LP (albums complets) étaient le principal moyen par lequel les artistes communiquaient avec leurs fans. Les pochettes d'album, les pistes cachées et les albums conceptuels ont changé la dynamique de l'industrie musicale et encouragé la production d'albums sans pistes de remplissage et moins dépendantes des singles à succès. Ce changement sismique de l'industrie dans les années 60 a été inspiré par des albums tels que "Rubber Soul" des Beatles, sorti aux États-Unis en 1965 sans qu'aucun single ne soit sorti.
Les albums offrent aujourd'hui une nouvelle façon d'aborder une industrie en évolution et inspirent les artistes à établir des structures musicales et des messages cohérents qui peuvent ajouter à la puissance des sorties musicales. Cela ne signifie pas qu'ils n'ont pas lutté, en particulier au milieu de la pandémie de COVID-19 :les ventes d'albums physiques ont chuté de 6 % entre le 6 et le 12 mars 2020, suivies d'une annonce d'Amazon le 17 mars indiquant qu'elle arrêterait les livraisons entrantes de vinyles et CD de fournisseurs de musique aux États-Unis afin de donner la priorité à l'essentiel.
Les plates-formes de streaming telles que Spotify et Pandora ont recalibré l'industrie de la musique ces dernières années pour se concentrer à nouveau sur des pistes uniques et des listes de lecture organisées plutôt que sur des albums entiers. Les gens ont passé la dernière décennie à prédire la mort de l'album, mais le format continue d'être une composante intégrale, pertinente et célébrée de la création musicale et de l'art. À cette fin, Stacker a examiné de plus près les meilleurs albums de la dernière décennie en exploitant les données de Metacritic. La galerie résultante a été recueillie à partir des critiques les mieux notées des albums de la décennie. Pour être pris en compte, les albums devaient avoir été publiés entre le 1er janvier 2010 et le 31 décembre 2019 et devaient avoir 15 critiques ou plus dans la base de données de Metacritic. Les albums réédités, les EP (enregistrements à lecture prolongée avec plus de pistes que les singles mais pas assez pour constituer des albums), les bandes sonores multi-artistes, les compilations, les albums live et les albums de vacances n'ont pas été pris en compte. Les chansons ont été classées par Metascore, avec une seule égalité.
La question de savoir ce qui fait un bon album est finalement subjective, mais tout au long de cette galerie, l'examen critique s'articule autour de certains thèmes musicaux tels que la narration, les paroles, la production et la musicalité.
De nombreux albums de cette liste traitent de sujets sérieux tels que les relations raciales, la perte d'un être cher et la vie de femme dans une société patriarcale. Plusieurs s'écartent de la production précédente d'un musicien ou présentent des arrangements, un lyrisme et une écriture globale qui dénotent la croissance, la liberté et la sophistication en tant qu'artiste. En plus de la musicalité et de la narration, ces albums reflètent également un champ de contributeurs de plus en plus diversifié, qui comprend la communauté LGBTQ+, les femmes et les personnes de couleur.
Poursuivez votre lecture pour savoir pourquoi certains des plus grands critiques du monde ont choisi ces 50 albums comme les meilleures créations musicales de la décennie.
1 / 50 - Métascore :88
"Lonerism" a reçu des critiques positives de la part des critiques et des fans, en partie en raison de sa réminiscence du rock psychédélique des années 60 et 70. Le disque fait un clin d'œil aux sons hallucinatoires des décennies passées avec l'utilisation par le groupe de synthétiseurs, d'une structure de chanson amorphe et d'un son général. D'autres ont comparé le timbre des guitares et la superposition d'harmonies dans certaines parties de l'album à "Revolver" des Beatles, en particulier "Tomorrow Never Knows". "Lonerism" a reçu des commentaires positifs de groupes de musique grand public tels que Rolling Stone, NME et Spin, et a reçu la reconnaissance de l'album de l'année par Rolling Stone Australie, entre autres.
2 / 50 - Métascore :88
"Undun", avec des contributions vocales de Bilal, Dice Raw et Big K.R.I.T., marque le premier album concept de The Roots. L'histoire suit le personnage quasi-fictif Redford Stephens (inspiré du morceau "Redford" de Sufjan Stevens), un jeune homme noir qui a recours à la vente de drogue pour échapper à une vie de pauvreté. Stevens a également participé à la composition et à la production du disque. L'histoire maintient la cohésion narrative même lorsqu'elle se déroule dans l'ordre chronologique inverse. Le critique musical du Los Angeles Times, Ernest Hardy, a écrit que l'album apporte "une profondeur psychologique et une complexité rarement accordées aux Noirs dans la culture pop moderne, y compris (ou surtout) le quartier du hip-hop contemporain".
3 / 50 - Métascore :88
L'effort de deuxième année de FKA twigs a retardé sa première sortie de cinq ans. L'auteur-compositeur britannique utilise la figure biblique de Marie-Madeleine, souvent décrite comme une ancienne prostituée dans les enseignements bibliques et la culture pop, pour zoomer sur la sexualité et la perception publique des brindilles FKA. Pendant qu'elle travaillait sur l'album, la relation de l'artiste avec la star de "Twilight" Robert Pattinson a fait l'objet de vives critiques publiques et elle se remettait de l'ablation de fibromes utérins.
4 / 50 - Métascore :88
"Designer" est le troisième album d'Aldous Harding aux accents folk. Plusieurs critiques musicaux ont commenté le surréalisme des paroles de la chanson "The Barrel", y compris la phrase "La vague d'amour est une hutte passagère/L'eau est la coquille et nous sommes la noix". John Parish, qui a dirigé la production du précédent disque de Harding, est revenu pour produire "Designer". L'excentricité caractéristique de Harding transparaît dans le clip de "The Barrel", dans lequel elle regarde directement la caméra la plupart du temps.
5 / 50 - Métascore :88
Suite à "Run the Jewels 2", le troisième album du duo Killer Mike et El-P comprend des performances invitées de plusieurs vétérans du hip-hop/R&B, tels que Danny Brown, Joi et le saxophoniste Kamasi Washington. Un critique du Chicago Tribune a décrit "RTJ3" comme "un album sur le pouvoir souvent sous-estimé des impuissants, même s'il célèbre la collaboration presque télépathique entre deux des MC les plus doués de l'époque". Les mains qui apparaissent sur la pochette de chaque album représentent différentes choses ; pour "RTJ3", le duo a déclaré que les mains en or, représentées sans les bandages ou la chaîne des autres pochettes d'album, signifient "l'idée qu'il n'y a rien à prendre qui existe à l'extérieur toi-même. Vous êtes le joyau." La pochette de l'album "RTJ3" en janvier 2018 a remporté le prix de la meilleure pochette d'album aux Best Art Vinyl Awards.
6 / 50 - Métascore :88
Le premier album de Barnett a été acclamé par les grands magazines de musique, beaucoup le qualifiant de très écoutable et d'un excellent premier disque. À cette fin, Everett True de The Guardian a déclaré que l'album s'améliorait à chaque écoute et a comparé certaines de ses chansons à "l'indie-pop du début des années 1990", et d'autres à Lou Reed et Nirvana.
7 / 50 - Métascore :88
Le cinquième album studio de St. Vincent (alias Annie Clark) a remporté plusieurs prix Grammy, a été classé 10 sur le palmarès Billboard 200 et a été fréquemment mentionné dans les listes des meilleurs de 2017. Produit par Clark et Jack Antonoff, "Masseduction" présente plusieurs invités musicaux, tels que Doveman au piano, Kamasi Washington au saxophone et Jenny Lewis au chant. Les chansons du disque ont été créées à partir de messages texte, de mémos vocaux et de morceaux de mélodies sur lesquels Clark est tombé lors d'un voyage.
8 / 50 - Métascore :88
Le premier album studio de Radiohead depuis 2011 comprend des sections de cordes et de chœur interprétées par le London Contemporary Orchestra. Thématiquement, le disque traite des questions centrales d'une grande partie de la production de Radiohead, notamment comment on maintient l'humanité dans un monde ambivalent et froid. Certains critiques pensent que les paroles sont teintées par la séparation de Thome Yorke de sa partenaire de plus de 20 ans, Rachel Owen, tandis que d'autres thèmes plus apparents incluent le changement climatique et les dangers de la pensée de groupe. D'un point de vue stylistique, le disque propose plusieurs genres, dont la musique de chambre, l'art rock et le folk.
9 / 50 - Métascore :88
"Bad as Me" est le premier album de Waits depuis "Real Gone" en 2004 à être entièrement composé de nouvelles chansons. Une longue liste de stars musicales ont prêté leurs talents à l'album, dont Keith Richards, Marc Ribot, Flea et Les Claypool. Les critiques ont accueilli l'album à bras ouverts. La femme de Waits, Kathleen Brennan, a coproduit le disque avec lui.
10 / 50 - Métascore :88
Les œuvres musicales de Julia Holter sont imprégnées de symbolisme et d'inspiration, mais le sujet de "Loud City Song" s'écarte des deux albums précédents de Holter. "Tragédie" était centrée sur la pièce "Hippolyte" d'Euripide, et "Ekstasis" a été nommé d'après la philosophie grecque d'être hors de soi. "Loud City Song" s'inspire de la comédie musicale "Gigi" et jette un regard critique sur l'obsession de la société pour la célébrité.
11 / 50 - Métascore :88
Concernant "Divers", Newsom a déclaré dans une interview qu'elle travaillait sur les arrangements instrumentaux et les overdubs depuis environ un an ou deux parce qu'elle voulait que chaque chanson change radicalement de saveur instrumentale. Sur cet album hautement collaboratif, des membres de l'Orchestre Philharmonique de la Ville de Prague ont joué sur l'album. Noah Georgeson, qui a travaillé avec Devandra Banhart et The Strokes, a participé à la production, et Nico Muhly était l'un des nombreux arrangeurs.
12 / 50 - Métascore :88
Le 11e album studio de ce groupe de rock sudiste est chargé de commentaires politiques, ce qui n'est pas surprenant compte tenu de l'état de la politique l'année de sa sortie. La collection de chansons a commencé à susciter des disputes avant même la sortie du disque. Pour citer un couple, la chanson "Surrender Under Protest" parle de la controverse entourant le drapeau confédéré, et "What It Means" se concentre sur les fusillades de Trayvon Martin et Michael Brown.
13 / 50 - Métascore :88
La 13e collection de chansons du groupe de rock expérimental Swans comprend plusieurs contributeurs musicaux, dont Cold Specks, St. Vincent et Little Annie au chant, et l'actuel batteur de King Crimson, Bill Rieflin. Au milieu des critiques élogieuses des critiques, beaucoup ont comparé le disque à l'album précédent du groupe "The Seer". Tous les morceaux du disque dépassent sept minutes, le plus long étant "Bring the Sun/Toussaint L'Ouverture" à un peu plus de 34 minutes.
14 / 50 - Métascore :89
Fiona Apple a apporté son excentricité et son écriture éloquente à "The Idler Wheel…", dont le nom, comme "When the Pawn…", est un extrait d'un poème qu'elle a écrit. Les enregistrements de l'album se sont déroulés assez secrètement au cours des trois ou quatre années précédant sa sortie.
15 / 50 - Métascore :89
"Quand je rentre à la maison" parcourt une variété de styles musicaux, y compris le R&B et le jazz. L'album présente également une méthode de mixage hip-hop hachée issue de la culture hip-hop de Houston dans les années 1990. Il échantillonne également la poésie racontée par des femmes afro-américaines du quartier Third Ward de Houston, le quartier d'enfance de Solange Knowles. Plusieurs collaborateurs ont rejoint Knowles dans la production, dont John Key, le groupe Standing on the Corner et Pharrell. De nombreux musiciens ont contribué au chant, comme Playboi Carti, Panda Bear, The-Dream et Dev Hynes, entre autres.
16 / 50 - Métascore :89
Précurseur de "When I Get Home", le troisième album de Knowles "A Seat at the Table" est le produit d'une composition qui a commencé dès 2008. L'album comprend plusieurs collaborateurs, tels que Lil Wayne, Q-Tip, Kelly Rowland , Le-Rêve et Kelela. Raphael Saadiq et Troy Johnson ont également participé à sa production. Knowles s'est inspiré des meurtres de Ferguson et de Baltimore, et de leurs manifestations associées, pour le morceau d'ouverture du disque "Rise".
17 / 50 - Métascore :89
Musgraves a déclaré qu'une partie de l'inspiration pour "Golden Hour" provenait de l'éclipse solaire qui s'est produite à l'été 2017. Le disque a remporté plusieurs prix d'album de l'année et de Grammy, placé sur des dizaines de listes de fin d'année, et a été très apprécié. par les critiques.
18 / 50 - Métascore :89
Cette deuxième œuvre musicale de l'auteure-compositrice française Héloïse Letissier, alias Christine and the Queens, désormais abrégée en Chris, existe en versions anglaise et française. Le disque de 2014 de Letissier « La Chaleur Humaine » traitait de motifs allant de l'identité queer à la dépression; depuis lors, la chanteuse a commencé à devenir une version différente d'elle-même avec un nouveau look et un érotisme extérieur. Dans une interview avec Pitchfork, elle a discuté de la chanson "Doesn't Matter", l'un de ses morceaux les plus exposés, comme tirant le rideau sur le personnage fictif de la chanson, le voleur de soleil. "Le voleur de soleil pour moi est quelqu'un qui m'inspire à sortir de la boue. Dans mon esprit, c'était un homme, et il n'est pas clair si je veux devenir cette personne, ou aimer cette personne, ou être un frère pour cette personne. ."
19 / 50 - Métascore :89
Comme beaucoup de grands albums, "Big Fish Theory" est le produit de plusieurs collaborations et apparitions. Il présente des voix de Kendrick Lamar, Kilo Kish et Dolla Sign. Les producteurs incluent le duo Christian Rich, SOPHIE, Justin Vernon et Flume. Musicalement, Staples s'est inspiré de Detroit Techno, un style principalement lié aux Belleville Three, qui ont incorporé des éléments de science-fiction et d'afrofuturisme dans leur musique.
20 / 50 - Métascore :89
Avant d'enregistrer cette mixtape, Chance the Rapper s'est replongé dans la religion en apprenant que sa petite amie de l'époque était enceinte et que le bébé avait un flutter auriculaire. De nombreux critiques ont fait l'éloge de l'utilisation de chœurs gospel fusionnant avec le hip-hop et le rap sur le disque, qui comprend également Jamila Woods, Lil Yachty, 2 Chainz et une foule d'autres musiciens.
21 / 50 - Métascore :89
Le quatrième album d'Olsen comprend une instrumentation diversifiée, dont un petit orchestre à cordes, un vibraphone, une trompette, un trombone et un bugle, avec des arrangements de Ben Babbitt et Jherek Bischoff et une production de John Congleton. L'album a reçu de belles critiques de la plupart des critiques et a culminé à la 52e place du Billboard 200 aux États-Unis.
22 / 50 - Métascore :89
Lorsqu'elle travaillait sur le morceau "Nandi", le premier morceau qui ferait partie de "Black Origami", la productrice Jlin a noté une "disparition" qui n'était jamais présente dans sa création musicale auparavant. En créant la chanson titre, Jlin a de nouveau puisé dans quelque chose qu'elle n'avait jamais fait auparavant et a continué jusqu'à ce que le son qu'elle obtenait résonne en elle. Musicalement, l'album est mélodique, construit sur des changements brusques de rythme et d'atmosphère. L'album est percussif avec des voix en boucle agressives, et ses influences stylistiques sont enracinées dans la musique orientale.
23 / 50 - Métascore :89
Selon le chanteur Mark Greenway, le 15e album du groupe de grindcore britannique Napalm Death a été enregistré au coup par coup afin d'accomplir "différents types d'assauts sonores". Le clip vidéo qui correspond à la chanson "Smash a Single Digit" est une critique du capitalisme, alors qu'ailleurs le groupe s'attaque aux injustices sociales telles que l'exploitation humaine.
24 / 50 - Métascore :89
Au cours du premier mois, le troisième disque de Kiwanuka était disponible, il s'est classé dans les classements musicaux américains, européens et australiens. L'album se classe à la 142e place du Billboard 200 américain. Pitchfork a décrit le disque comme apparemment "... une écoute facile au début, mais révèle finalement son cœur lugubre et même désespéré."
25 / 50 - Métascore :89
Le huitième album de Robyn compte des collaborations avec Joseph Mount (Metronomy), Adam Bainbridge (Kindness), son collaborateur de longue date Klas Ahlund et d'autres. Robyn a commencé à travailler sur les chansons de l'album en 2015 après la perte de son ami et collaborateur Christian Falk. Le disque se penche sur plusieurs styles, y compris ce que le New York Times a qualifié de "outré future pop", ainsi que de "ludique house des années 90".
26 / 50 - Métascore :89
Le deuxième disque du groupe hip-hop Run the Jewels a reçu de sérieuses éloges de la part des critiques, dont beaucoup pensaient qu'il surpassait son prédécesseur. L'album a reçu des éloges pour sa production en couches, l'écriture lyrique stellaire de Killer Mike et El-P, et sa longue liste d'invités, dont Gangsta Boo, Despot, Diane Coffee et Boots. Le duo a sorti un remix parodique gratuit du disque composé de rythmes composés de sons de chat, appelé "Meow the Jewels".
27 / 50 - Métascore :89
Bien que ce groupe de metalcore ait écrit 18 chansons pour son neuvième album studio, seuls 13 ont été retenus car ses membres n'ont pas réussi à s'entendre sur les meilleures chansons. Les chansons qui n'ont pas fait l'album ont été publiées sur l'EP 2018 « Beautiful Ruin ». Les critiques ont généralement aimé le disque, qui a été nommé dans plusieurs listes des meilleurs albums de métal et généralement des meilleurs albums de 2017.
28 / 50 - Métascore :89
Le deuxième album de l'auteur-compositeur et poète Woods est sorti sous les applaudissements généralisés. Chaque morceau du disque rend hommage à une figure importante de la musique, des arts visuels, de la littérature et de la poésie afro-américaine :toutes les personnes qui ont contribué à façonner Woods en tant que créateur et activiste. Ces noms incluent Nikki Giovanni, Zora Neal Hurston, James Baldwin et Muddy Waters. Contrairement à certains des grands noms qui ont apporté leur voix à son précédent disque, Woods a collaboré avec les nouveaux venus Saba, Nitty Scott et Nico Segal. Elizabeth Woronzoff de Pop Matters a déclaré à propos du disque :"Plus que les musiciens et les artistes, Woods démontre sans équivoque à quel point les écrivains noirs s'apparentaient aux pédagogues appelant à une auto-identité renforcée malgré des conditions de marginalisation et d'oppression."
29 / 50 - Métascore :89
Clark a décrit son quatrième disque comme "un disque de fête que vous pourriez jouer lors d'un enterrement". Alors que "Strange Mercy", sa sortie de 2011, "était plus sur l'auto-lacération", ce disque éponyme de 2014 est "plus confiant... très extraverti". Homer Steinweiss de Sharon Jones and the Dap-Kings a apporté sa touche de batterie au disque, tout comme McKenzie Smith du groupe folk-rock Midlake.
30 / 50 - Métascore :90
Frahm a utilisé plusieurs techniques d'enregistrement pour créer des «espaces», y compris des cassettes et des bandes bobine à bobine dans différents lieux du monde entier. Il s'est efforcé de canaliser les vibrations spécifiques des différents lieux dans lesquels il a enregistré les morceaux sur "Spaces".
31 / 50 - Métascore :90
Le premier album solo de Big Boi en dehors de son travail avec Outkast présente plusieurs rappeurs et producteurs invités, dont son ancien partenaire hip-hop Andre 3000, Organized Noize, T.I., Janelle Monáe et Jamie Foxx. Dans cette version, Big Boi a réussi à atteindre son objectif de tisser "quelque chose de tous les genres" dans le disque. Musicalement, "Sir Lucious Left Foot" touche un large éventail de genres, y compris le chant funk, le travail de guitare de l'ère Hendrix et le hip-hop du sud.
32 / 50 - Métascore :90
Après presque 10 ans passés à faire de la musique en tant que Sleater-Kinney, les graines de leurs retrouvailles sont nées lorsque Corin Tucker et Carrie Brownstein ont passé du temps avec Fred Armisen et le mari de Tucker, Lance Bangs. Armisen et Bangs ont été très encourageants lorsque Tucker s'est demandé s'ils joueraient un autre spectacle en tant que Sleater-Kinney. L'épine dorsale thématique des chansons du disque va de l'anti-consumérisme aux amitiés vieillissantes.
33 / 50 - Métascore :90
Contrairement à l'album précédent de Stevens, "The Age of Adz", les chansons de "Carrie &Lowell" sont enracinées dans la musique folk et composées d'une instrumentation relativement rare par rapport à ses tendances vers des arrangements orchestraux luxuriants et diverses électroniques. Stevens a fait le disque comme un moyen de pleurer et d'accepter la perte de sa mère, Carrie, qui luttait contre la toxicomanie et la dépression et qui a abandonné Stevens quand il était bébé.
34 / 50 - Métascore :91
"We Got It From Here..." a suivi la rupture de Tribe, les membres du groupe se réunissant finalement après une performance de 2015 sur "The Tonight Show". Phife Dawg, membre de la tribu, est décédé la même année que la sortie du disque. Kendrick Lamar, André 3000, Elton John, Talib Kweli et Kanye West figuraient parmi plusieurs contributeurs vocaux et instrumentaux à l'album. "We Got It From Here..." est arrivé en tête du classement Billboard 200 et a obtenu des certifications d'or et de platine.
35 / 50 - Métascore :91
"The ArchAndroid", le premier album complet de Monáe, marque les deuxième et troisième volets de sa série conceptuelle Metropolis, qui a débuté avec l'EP "Metropolis :The Chase Suite". La série est en partie inspirée du film « Metropolis » des années 1920. "The ArchAndroid" perpétue l'histoire de la figure du messie androïde, Cindi Mayweather, libérant les androïdes de Metropolis d'une société secrète qui utilise le voyage dans le temps pour priver les Métropolites de leur liberté. Enracinée dans l'afrofuturisme, Monáe avait jusqu'alors été comparée à David Bowie, Outkast et Prince.
36 / 50 - Métascore :91
Lamar a réalisé ce deuxième album studio avec les rappeurs Mary J. Blige, Jay-Z et Drake. Les producteurs d'albums incluent Pharrell Williams et Dr. Dre, qui ont doublé en tant que producteur et chanteur. Lamar a déclaré qu'il avait décrit les difficultés de sa jeune vie à Compton à travers ce disque. Les critiques ont comparé le style de l'album à "Roots du milieu des années 2000", au G-funk des années 1990 de Dr. Dre et à l'album "Aquemini" d'Outkast en 1998.
37 / 50 - Métascore :91
Le deuxième album électropop de Lorde, réalisé à la suite d'une rupture avec son petit ami James Lowe, s'écarte de son approche minimaliste dans "Pure Heroine". Lorde et Jack Antonoff ont produit l'album et ont demandé des conseils créatifs à Flume, Frank Dukes, Joel Little et S1. Les critiques ont félicité Lorde pour sa performance vocale émouvante sur le disque, qui, selon elle, a été influencée par celles de Sinead O'Connor et de Kate Bush, ainsi que par l'utilisation du vocodeur par Laurie Anderson. Alors que "Melodrama" traite de la lutte pour être seul après une rupture, Lorde a décrit le concept comme désignant une fête à la maison où "... il y a ce moment où une grande chanson arrive, et vous êtes extatique, et puis il y a le moment plus tard, où vous êtes seul dans la salle de bain, vous regardant dans le miroir, vous ne pensez pas que vous êtes beau et vous commencez à vous sentir horrible. »
38 / 50 - Métascore :91
Le quatrième disque de l'auteur-compositeur né en Pennsylvanie Weyes Blood, alias Natalie Laura Mering, porte le nom du RMS Titanic, ainsi que du film semi-historique de 1997 sur le naufrage du navire. Stylistiquement, l'écriture de chansons de Mering sur ce disque a été influencée par des musiciens des années 1970 comme The Carpenters et Joni Mitchell et la pop de chambre, comme en témoigne l'utilisation de cordes.
39 / 50 - Métascore :92
Sur "Channel Orange", Frank Ocean saute librement d'un genre à l'autre, de l'électro-funk à la soul en passant par le psychédélisme. Sa vie amoureuse douloureuse et son expérience de tomber amoureux, sans contrepartie, d'un homme pour la première fois font partie du contenu narratif des chansons du disque. Lorsque les critiques ont commencé à discuter ouvertement du matériel d'Ocean dans le dossier comme une indication de son orientation sexuelle, il a publié une lettre via Tumblr dans laquelle il décrivait ses expériences de tomber amoureux d'un autre homme. D'autres musiciens hip-hop ont exprimé leur soutien à Ocean en lisant sa lettre. Ocean a collaboré avec l'auteur-compositeur et producteur Malay pour faire le disque. Pour puiser dans des ambiances spécifiques lors de la création de l'album, Ocean et Malay ont écouté des disques de Sly and the Family Stone, Stevie Wonder, Jimi Hendrix et d'autres de cette époque.
40 / 50 - Métascore :92
Sorti seulement 19 jours avant le décès de Cohen en 2016, le dernier ouvrage de l'auteur-compositeur est suspendu aux thèmes de la mortalité et de la religion. Dans les années précédant l'écriture de l'album, Cohen souffrait de multiples fractures de la colonne vertébrale et d'autres maux physiques. Le fils de Cohen, Adam, est intervenu pour travailler avec lui sur les chansons lorsque son producteur Patrick Leonard a rencontré des problèmes personnels. Certains des musiciens qui ont joué et chanté sur le disque incluent Alison Krauss, Bill Bottrell (Madonna, Electric Light Orchestra), Brian Macleod, le Shaar Hashomayim Synagogue Choir et d'autres. Parmi les éloges et les analyses des critiques, un critique de NPR a déclaré que "You Want it Darker" est largement enraciné dans "... la métaphore de la flamme fragile et la myriade de façons dont elle s'éteint, de l'intérieur et de l'extérieur."
41 / 50 - Métascore :92
Le deuxième album du duo de métal George Clarke et Kerry McCoy, rejoints par le batteur Dan Tracy, est composé de guitares déformées superposées, d'une utilisation fréquente d'une barre whammy pour créer une sorte d'effet étourdi, ainsi que d'un micro rapproché de la batterie pour sections optimistes afin d'obtenir une production "plus grande et plus lisse" que sur leur premier disque. L'album contient quatre chansons complètes et trois intermèdes, dont l'un met en vedette Stéphane Paut du groupe de post-métal Alcest lisant un extrait du roman "L'insoutenable légèreté de l'être", l'un des livres préférés de Clarke. Avant que l'album n'arrive sur les étagères numériques et physiques, il a été nommé dans les listes des meilleurs albums de 2013 par Rolling Stone, Spin, Absolute Punk et d'autres.
42 / 50 - Métascore :92
"Lemonade" était le deuxième album visuel de Beyoncé et son sixième album studio. Le film de 65 minutes qui accompagne l'album incorpore de la poésie et de la prose du poète somalien Warsan Shire, ainsi que des apparitions du duo musical cubain afro-français Ibeyi, de l'actrice Amandla Stenberg et de Serena Williams. Les mères de Trayvon Martin, Eric Garner et Michael Brown apparaissent également tenant des photos de leurs fils. Un grand nombre de contributeurs musicaux ont honoré l'album de leurs voix, dont Jack White, Kendrick Lamar, James Blake et The Weeknd. Parmi les multiples récompenses et félicitations que l'album a reçues, le Chicago Tribune a décrit "Lemonade" comme "... plus qu'une simple pièce pour la suprématie de la pop. C'est le travail d'une artiste qui essaie de mieux se connaître, pour mieux or worse, and letting the listeners/viewers in on the sometimes brutal self-interrogation.”
43 / 50 - Metascore:93
Noname’s debut record following her mixtape “Telefone” documents her move from Chicago to L.A., and her first sexual experiences. The rapper, whose given name is Fatimah Warner, referred to her mixtape as "very PG" compared to "Room 25," which contains overt expressions of her sexuality. Produced by Phoelix, the record boasts live instrumentation, including keys, bass, drums, and strings, Warren's preferred mode of record production. Critics had great things to say about the record; the A.V. Club called it “ ...a testimony to the power of telling your story and the hope that can be found in doing so without apology."
In spite of her success, Noname in November 2019 suggested on Twitter that she might quit music altogether following the release of her upcoming album, "Factory Baby."
44 / 50 - Metascore:93
Phil Elverum is the man behind Mount Eerie, whose eighth record chronicles the loss of his wife, musician, and artist Geneviève Castrée, who died of pancreatic cancer. Elverum drew inspiration in part from poet Gary Snyder, folk-rock band Sun Kil Moon, songwriter Julie Doiron, and author Karl Ove Knausgård. The record is a veritable diary in its recounting the sadness Elverum felt in the wake of his beloved wife's death. The Atlantic described the record as "...unflinching and hyper-literal, hypnotic and lo-fi, and deeply hostile to clichés about death..." Elverum wrote and recorded the record himself in the room where his wife died, using one microphone, mainly acoustic guitar, and a laptop.
45 / 50 - Metascore:94
West worked on this fifth record in the wake of public controversy surrounding his outburst in 2009 at the MTV Video Music Awards when he interrupted Taylor Swift’s award of Best Female Video by proclaiming Beyoncé should have won instead. An arsenal of big-name musicians can be heard on the record, including Jay-Z, Pusha T, Kid Cudi, Nicki Minaj, Common, and a bundle of others. Numerous critics commented on the stylistic similarities between this record and West's first four albums, and others dubbed it grandiose and "maximalist," with flavors of "East Coast hip-hop." Narratively, motifs of sex, wealth, race, escapism, self-exultation, and, conversely, self-doubt pervade the record, as well as a collage of musical samples and literary references.
46 / 50 - Metascore:95
A follow-up to the band’s 2013 record “Push the Sky,” this 16th record saw production from Nick Cave, Nick Launay, and Warren Ellis. Among many attributes, critics noted that the songs on the album are much more instrumentally bare, with less refined production than the group’s past projects. Lyrically, the songs are rooted in motifs of death and loss, though the bulk of the writing for the album was done before the passing of Cave's 15-year-old son the previous year. Many critics described the record as beautiful, grief-stricken, and vulnerable, lauding Cave’s adeptness at wordplay, symbolism, and irony, in the words of one Rolling Stone journalist.
47 / 50 - Metascore:95
D’Angelo made “Black Messiah” after a 14-year musical hiatus and disappearance from the public eye. A barrage of occurrences gave way to this retreat, including the death of his close friend Fred Jordan and a subsequent alcohol habit, a breakup, a falling-out from most of his family, and a car crash. Following some guest appearances and solitary production work, D’Angelo started to solidify songs for the new album in collaboration with Questlove, Pino Palladino, and James Gadson. Questlove described the record as "...a black version of [the Beach Boys record] 'Smile.'" He also commented on D’Angelo’s innovative use of music patches on the record, especially on the track “The Charade,” which included a trombone patch that D’Angelo "re-Eqed and then put through an envelope filter and then added a vibraphone on top..."
48 / 50 - Metascore:95
Kendrick Lamar’s fourth song compilation rides on elements of conscious rap, as well as R&B, pop, and trap. In making the song “DNA” with Mike Will Made It (Michael Len Williams II), one of a slew of producorial collaborators, Lamar rapped over half the song to an existing beat and then started rapping the rest a cappella. He asked Williams to create the beat such that it sounded like his rap was fighting against it. In addition to “DAMN.” garnering multiple awards and mentions in year-end lists, critics gushed about it, one of whom said that what catapults Lamar’s poetry on “DAMN.” to a higher level "...is his ability to find humanity in desolate situations."
49 / 50 - Metascore:96
Before releasing this follow-up to “Good Kid, M.A.A.D. City,” Lamar spent time in South Africa, where he paid a visit to Nelson Mandela’s jail cell on Robben Island, among other important historical places. Having abandoned a couple of albums’ worth of songs, Lamar sought to tap into his experiences growing up in Compton, California and started listening to musicians such as Miles Davis and Sly Stone, weaving some of those styles into his record. As a whole, the album fosters a conversation about the systemic problems faced by the African American community. To that effect, the song "Alright" came to serve as an anthem for the Black Lives Matter movement, in part after a group of people started singing its chorus at one such protest in Cleveland in 2015. Critics widely praised the record, calling it extremely politically timely, and singling out Lamar’s lyrics and cinematic production.
50 / 50 - Metascore:97
This double album is the third installment of a three-part album series consisting of 2013’s “Push the Sky Away” and 2016’s “Skeleton Tree.” Via a blog series called The Red Hand Files in which Cave answered questions from fans, he stated that the songs on the first of the two parts are "the children," and the songs on the second are "their parents." In writing the lyrics of the album, which he worked on after his teenage son’s passing in 2015, Cave changed up his routine and compiled "lines and thoughts, images and ideas" in his Brighton home. He explained his philosophy: "The idea that we live life in a straight line, like a story, seems to me to be increasingly absurd, and, more than anything, an intellectual convenience..." Elizabeth Aubrey of NME said that “Ghosteen” "...evokes the trying-to-make-sense stage of grief, even when there's often no sense to be found."
